<이태원클라쓰OST - 시작>, <SHINee - I Say> 외 다수
가호 작가님의 1:1 레슨 출강을 앞두고 인터뷰를 진행하였습니다.
Q1. 안녕하세요 가호 작가님! 153줌바스 아카데미에 출강하시게 된 소감과 간단한 자기 소개 부탁 드리겠습니다. :)
안녕하세요, 가수이자 작곡가로 활동하고 있는 가호입니다! 하하.
153줌바스 아카데미와 함께하게 되어 정말 기대가 큽니다.
“강사와 수강생” 이라는 선 그어진 관계보다는 좋은 동료와 함께 멋진 음악을 만들어간다 생각하고 출강에 임하려고 해요. 저는 작업을 할 때 스튜디오 안의 분위기와 에너지를 굉장히 중요하게 생각하는 편이라, 이런 좋은 기운을 수강생 분들과 나누며, 멋진 결과물을 함께 만들어 보고 싶네요!
Q2. 이태원 클라쓰 OST ‘시작’ 을 비롯해 개인 앨범 ‘RIDE’, ‘Rush Hour’, 그리고 SHINee의 ‘I Say’까지 정말 다양한 곡에 참여하셨잖아요. 그 중에서도 유독 기억에 남는 작업 비하인드가 있다면 들려주실 수 있을까요?
개인 앨범은 아무래도 제 자식 같은 곡들이다 보니 하나 하나 다 기억에 남아요.
자작곡으로 앨범을 내본 분이라면 아마 다 공감하실 텐데, 방 안에서 혼자 끄적이던 노래가 점점 다듬어져 세상에 나오는 과정이 정말 고되고 힘들긴 하지만, 그만큼 즐겁고 보람찬 일이거든요.
OST 곡 얘기를 하나 해보자면, 이태원 클라쓰 <시작>은 원래 키가 더 낮았어요. 녹음 중에 “이건 좀 더 파이팅 있게 가야겠다”는 생각이 들어서 즉흥적으로 키를 올려서 불렀던 비하인드가 있습니다.
지금 생각해보면, 신의 한 수였던 것 같아요. 하하.
Q3. 최근에는 피프티피프티의 타이틀곡 〈가위바위보〉 작사에도 참여하셨는데요! 이 곡은 어떤 과정으로 완성됐을까요? 특히 신경 쓰신 포인트가 있다면 궁금합니다.
데모 가사의 대부분이 영어였고, 곡 자체도 팝적인 무드가 강해서 한글 가사가 멜로디 위에 붙었을 때 자연스럽게 녹아들도록 작업하는 게 1순위였죠. 한국어로 바꿔도 노래가 가진 그루브가 유지되도록 계속 다듬는 데 신경을 많이 썼습니다.
그리고 ‘가위바위보’라는 키워드가 너무 재밌어서, 왜 이 단어가 후렴에 등장해야 하는지 감정선의 빌드업이나 서사적 명분을 명확하게 세우는 데 가장 시간을 많이 썼습니다. 단순한 유행어처럼 보이면 금방 힘이 빠지거든요. 키워드가 “관계의 밀고 당김, 선택의 순간, 마음의 승부”라는 중심 테마와 연결되도록 후렴 진입 직전의 상황을 촘촘하게 발전 시키고, 훅에서는 ‘한 번에 외워지는 구호’처럼 작동하게 설계했어요.
또 실제 녹음 과정에서 가창이 용이하도록 일부 단어가 수정되는 경우가 종종 있기 때문에 본 녹음 직전까지도 대체 어휘를 5개 정도 남겨두고, 발음·음절·톤을 비교해 가며 계속 수정을 했어요. 보컬의 질감과 톤이 들어오면 단어가 갑자기 둔해지거나 반대로 살아나는 경우가 있어서 이 부분이 제일 공들였던 포인트였던 것 같습니다.
Q4. 작가님은 이제 ‘OST 장인’이라고 불러도 될 만큼 참여작이 정말 많으시잖아요. OST와 K-POP 작업은 감정선이나 접근법이 많이 다를 것 같아요. 작업할 때 두 영역을 어떻게 구분하시나요? 혹은 ‘OST 작업만의 매력’이 있다면 어떤 점이라고 생각하시나요?
짚어주신 것처럼 두 장르는 접근 방식이 많이 달라요.
OST는 특정 가수를 떠올리기보다는, 드라마의 장면과 감정선이 완벽히 맞물려야 하기 때문에 스토리와 분위기에 얼마나 잘 녹아드는지가 중요하죠.
반면 K-POP은 그 곡을 부를 아티스트의 이미지나 퍼포먼스가 듣기만 해도 눈 앞에 그려질 수 있도록 만드는 게 핵심이에요. 이런 차이점이 늘 흥미롭고, 작업할 때마다 다른 자극을 줍니다.
둘 다 정말 매력적인 작업이라 어느 한쪽만 고르긴 어려워요, 요즘은 해외 팬 분들도 OST와 K-POP 두 장르를 모두 사랑해 주시니까, 이제는 어느 쪽도 쉽게 놓을 수 없을 것 같아요. 하하.
Q5. 아티스트로서 직접 노래를 하시기 때문에, 멜로디의 흐름이나 발음의 결이 더 예민하게 느껴질 것 같아요. 작가님이 생각하는 ‘좋은 탑라인’의 기준이 있으실까요?
제가 생각하는 좋은 탑라인엔 두 가지 포인트가 있다고 생각해요.
첫 번째는 들었을 때 귀에 감기고, 기억에 남고, 자연스럽게 따라 부를 수 있는 멜로디예요. 사실 이런 부분은 언제나 기본이죠.
두 번째는 가창자의 개성을 얼마나 잘 보여주느냐예요. 사람마다 가지고 있는 음역대나 목소리의 질감, 매력이 다 다르잖아요. 그 특성을 잘 살려주는 멜로디야말로 진짜 잘 만든 좋은 탑라인이라고 생각합니다.
Q6. 탑라인을 짜다 보면 멜로디가 ‘자연스럽게 흘러나오는 순간’이 있다고 하잖아요. 작가님은 그런 영감의 순간이 언제 찾아오시나요? 혹은 작업이 막혔을 때 돌파하시는 방법이 있을까요?
음악 잘 하시는 선배님들이랑 얘기하다 보면, “한 번에 나오는 곡이 잘 된다”는 얘기를 종종 들어요. 근데 사실 그 ‘한 번에’라는 게 그냥 나오는 게 아니잖아요. 그만큼 오랜 시간 쌓아온 내공이 있다는 있다는 의미이니까요.
저는 곡이 마음에 들 때까지 앉아서 붙잡고 계속 작업하는 편인데, 이런 시간이 쌓이고 쌓이다보면 그게 결국 자기 실력이 되더라고요. 그래서 막혔을 때 돌파하는 방법은 결국 ‘얼마나 오래, 진심으로 붙잡고 있느냐’인 것 같아요.
Q7. 작가님께선 개인 작업뿐 아니라 케이브(KAVE) 밴드 활동도 하고 계신데요, 혼자 작업할 때와 팀으로 작업할 때, 가장 큰 차이는 어떤 부분에서 느끼시나요? 또 팀으로서 추구하고 계신 음악의 방향성도 궁금해요. :)
곡 작업 자체에서는 사실 큰 차이는 없어요.
혼자 작업할 때나 팀으로 작업할 때나, 결국 좋은 음악을 만들기 위해 고민하는 과정은 비슷하거든요. 장르가 조금 다르다 정도?
다만, 아무래도 케이브로 활동할 때는 노래를 만드는 걸 넘어서, 뮤직비디오나 콘셉트를 직접 구상하고 시각적인 요소까지 함께 완성해 나가는 과정이 있어서 그게 큰 차이로 다가와요. 음악만이 전부가 아니라, 전체적인 그림을 만들어가는 게 재밌는 것 같습니다.
Q8. 앞으로 153줌바스 아카데미와 함께하는 탑라이닝 1:1 레슨에서 수강생 분들이 특히 어떤 경험을 얻어가길 바라시나요?
혼자 고민하고 연구하는 시간은 정말 중요하다고 생각해요. 그게 쌓이고 쌓여서 결국 자기만의 색과 내공이 만들어지는 거니까요. 하지만 동시에 ‘소통’도 그만큼 중요하다고 생각합니다. 저도 작업을 하다 보면, 누군가와 대화를 나누는 순간 갑자기 새로운 아이디어가 열리거나 전혀 다른 방향으로 시야가 트일 때가 많거든요.
결국 음악이라는 건 혼자만의 결과물이 아니라, 함께 만들어가는 거라고 생각해요. 그래서 좋은 뮤지션은 자신의 재능뿐만 아니라 함께하는 사람들의 장점과 아이디어를 발견할 줄 아는 게 중요하다고 느껴요.
저의 수업도 단순히 기술이나 이론을 배우는 시간이 아니라, 서로의 아이디어가 자극되고 확장되는 일종의 ‘세션’ 같은 시간이 되었으면 해요. 즐겁게 이야기하고, 자유롭게 같이 음악을 만들어보는 그 과정 자체가 수강생분들에게 가장 큰 배움이 되길 바랍니다.
Q9. 마지막으로 곧 만나게 될 수강생 분들에게 전하고 싶은 한 마디 부탁드립니다 :)
‘정답’을 배우는 시간이 아니라, 각자만의 색깔로 음악을 표현하고, 그걸 서로에게 나눠주는 과정을 함께 만들어가고 싶어요. 실수도 괜찮고, 방향이 달라도 괜찮아요. 그 안에서 오히려 새로운 아이디어가 태어날 테니까요!
저와의 소통을 통해 여러분에게 작곡이 조금 더 가깝게 느껴지고, 음악으로 자신을 표현하는 즐거움을 경험해 보셨으면 좋겠어요.
재밌게 해봐요!!! (웃음)
<이태원클라쓰OST - 시작>, <SHINee - I Say> 외 다수
가호 작가님의 1:1 레슨 출강을 앞두고 인터뷰를 진행하였습니다.
Q1. 안녕하세요 가호 작가님! 153줌바스 아카데미에 출강하시게 된 소감과 간단한 자기 소개 부탁 드리겠습니다. :)
안녕하세요, 가수이자 작곡가로 활동하고 있는 가호입니다! 하하.
153줌바스 아카데미와 함께하게 되어 정말 기대가 큽니다.
“강사와 수강생” 이라는 선 그어진 관계보다는 좋은 동료와 함께 멋진 음악을 만들어간다 생각하고 출강에 임하려고 해요. 저는 작업을 할 때 스튜디오 안의 분위기와 에너지를 굉장히 중요하게 생각하는 편이라, 이런 좋은 기운을 수강생 분들과 나누며, 멋진 결과물을 함께 만들어 보고 싶네요!
Q2. 이태원 클라쓰 OST ‘시작’ 을 비롯해 개인 앨범 ‘RIDE’, ‘Rush Hour’, 그리고 SHINee의 ‘I Say’까지 정말 다양한 곡에 참여하셨잖아요. 그 중에서도 유독 기억에 남는 작업 비하인드가 있다면 들려주실 수 있을까요?
개인 앨범은 아무래도 제 자식 같은 곡들이다 보니 하나 하나 다 기억에 남아요.
자작곡으로 앨범을 내본 분이라면 아마 다 공감하실 텐데, 방 안에서 혼자 끄적이던 노래가 점점 다듬어져 세상에 나오는 과정이 정말 고되고 힘들긴 하지만, 그만큼 즐겁고 보람찬 일이거든요.
OST 곡 얘기를 하나 해보자면, 이태원 클라쓰 <시작>은 원래 키가 더 낮았어요. 녹음 중에 “이건 좀 더 파이팅 있게 가야겠다”는 생각이 들어서 즉흥적으로 키를 올려서 불렀던 비하인드가 있습니다.
지금 생각해보면, 신의 한 수였던 것 같아요. 하하.
Q3. 최근에는 피프티피프티의 타이틀곡 〈가위바위보〉 작사에도 참여하셨는데요! 이 곡은 어떤 과정으로 완성됐을까요? 특히 신경 쓰신 포인트가 있다면 궁금합니다.
데모 가사의 대부분이 영어였고, 곡 자체도 팝적인 무드가 강해서 한글 가사가 멜로디 위에 붙었을 때 자연스럽게 녹아들도록 작업하는 게 1순위였죠. 한국어로 바꿔도 노래가 가진 그루브가 유지되도록 계속 다듬는 데 신경을 많이 썼습니다.
그리고 ‘가위바위보’라는 키워드가 너무 재밌어서, 왜 이 단어가 후렴에 등장해야 하는지 감정선의 빌드업이나 서사적 명분을 명확하게 세우는 데 가장 시간을 많이 썼습니다. 단순한 유행어처럼 보이면 금방 힘이 빠지거든요. 키워드가 “관계의 밀고 당김, 선택의 순간, 마음의 승부”라는 중심 테마와 연결되도록 후렴 진입 직전의 상황을 촘촘하게 발전 시키고, 훅에서는 ‘한 번에 외워지는 구호’처럼 작동하게 설계했어요.
또 실제 녹음 과정에서 가창이 용이하도록 일부 단어가 수정되는 경우가 종종 있기 때문에 본 녹음 직전까지도 대체 어휘를 5개 정도 남겨두고, 발음·음절·톤을 비교해 가며 계속 수정을 했어요. 보컬의 질감과 톤이 들어오면 단어가 갑자기 둔해지거나 반대로 살아나는 경우가 있어서 이 부분이 제일 공들였던 포인트였던 것 같습니다.
Q4. 작가님은 이제 ‘OST 장인’이라고 불러도 될 만큼 참여작이 정말 많으시잖아요. OST와 K-POP 작업은 감정선이나 접근법이 많이 다를 것 같아요. 작업할 때 두 영역을 어떻게 구분하시나요? 혹은 ‘OST 작업만의 매력’이 있다면 어떤 점이라고 생각하시나요?
짚어주신 것처럼 두 장르는 접근 방식이 많이 달라요.
OST는 특정 가수를 떠올리기보다는, 드라마의 장면과 감정선이 완벽히 맞물려야 하기 때문에 스토리와 분위기에 얼마나 잘 녹아드는지가 중요하죠.
반면 K-POP은 그 곡을 부를 아티스트의 이미지나 퍼포먼스가 듣기만 해도 눈 앞에 그려질 수 있도록 만드는 게 핵심이에요. 이런 차이점이 늘 흥미롭고, 작업할 때마다 다른 자극을 줍니다.
둘 다 정말 매력적인 작업이라 어느 한쪽만 고르긴 어려워요, 요즘은 해외 팬 분들도 OST와 K-POP 두 장르를 모두 사랑해 주시니까, 이제는 어느 쪽도 쉽게 놓을 수 없을 것 같아요. 하하.
Q5. 아티스트로서 직접 노래를 하시기 때문에, 멜로디의 흐름이나 발음의 결이 더 예민하게 느껴질 것 같아요. 작가님이 생각하는 ‘좋은 탑라인’의 기준이 있으실까요?
제가 생각하는 좋은 탑라인엔 두 가지 포인트가 있다고 생각해요.
첫 번째는 들었을 때 귀에 감기고, 기억에 남고, 자연스럽게 따라 부를 수 있는 멜로디예요. 사실 이런 부분은 언제나 기본이죠.
두 번째는 가창자의 개성을 얼마나 잘 보여주느냐예요. 사람마다 가지고 있는 음역대나 목소리의 질감, 매력이 다 다르잖아요. 그 특성을 잘 살려주는 멜로디야말로 진짜 잘 만든 좋은 탑라인이라고 생각합니다.
Q6. 탑라인을 짜다 보면 멜로디가 ‘자연스럽게 흘러나오는 순간’이 있다고 하잖아요. 작가님은 그런 영감의 순간이 언제 찾아오시나요? 혹은 작업이 막혔을 때 돌파하시는 방법이 있을까요?
음악 잘 하시는 선배님들이랑 얘기하다 보면, “한 번에 나오는 곡이 잘 된다”는 얘기를 종종 들어요. 근데 사실 그 ‘한 번에’라는 게 그냥 나오는 게 아니잖아요. 그만큼 오랜 시간 쌓아온 내공이 있다는 있다는 의미이니까요.
저는 곡이 마음에 들 때까지 앉아서 붙잡고 계속 작업하는 편인데, 이런 시간이 쌓이고 쌓이다보면 그게 결국 자기 실력이 되더라고요. 그래서 막혔을 때 돌파하는 방법은 결국 ‘얼마나 오래, 진심으로 붙잡고 있느냐’인 것 같아요.
Q7. 작가님께선 개인 작업뿐 아니라 케이브(KAVE) 밴드 활동도 하고 계신데요, 혼자 작업할 때와 팀으로 작업할 때, 가장 큰 차이는 어떤 부분에서 느끼시나요? 또 팀으로서 추구하고 계신 음악의 방향성도 궁금해요. :)
곡 작업 자체에서는 사실 큰 차이는 없어요.
혼자 작업할 때나 팀으로 작업할 때나, 결국 좋은 음악을 만들기 위해 고민하는 과정은 비슷하거든요. 장르가 조금 다르다 정도?
다만, 아무래도 케이브로 활동할 때는 노래를 만드는 걸 넘어서, 뮤직비디오나 콘셉트를 직접 구상하고 시각적인 요소까지 함께 완성해 나가는 과정이 있어서 그게 큰 차이로 다가와요. 음악만이 전부가 아니라, 전체적인 그림을 만들어가는 게 재밌는 것 같습니다.
Q8. 앞으로 153줌바스 아카데미와 함께하는 탑라이닝 1:1 레슨에서 수강생 분들이 특히 어떤 경험을 얻어가길 바라시나요?
혼자 고민하고 연구하는 시간은 정말 중요하다고 생각해요. 그게 쌓이고 쌓여서 결국 자기만의 색과 내공이 만들어지는 거니까요. 하지만 동시에 ‘소통’도 그만큼 중요하다고 생각합니다. 저도 작업을 하다 보면, 누군가와 대화를 나누는 순간 갑자기 새로운 아이디어가 열리거나 전혀 다른 방향으로 시야가 트일 때가 많거든요.
결국 음악이라는 건 혼자만의 결과물이 아니라, 함께 만들어가는 거라고 생각해요. 그래서 좋은 뮤지션은 자신의 재능뿐만 아니라 함께하는 사람들의 장점과 아이디어를 발견할 줄 아는 게 중요하다고 느껴요.
저의 수업도 단순히 기술이나 이론을 배우는 시간이 아니라, 서로의 아이디어가 자극되고 확장되는 일종의 ‘세션’ 같은 시간이 되었으면 해요. 즐겁게 이야기하고, 자유롭게 같이 음악을 만들어보는 그 과정 자체가 수강생분들에게 가장 큰 배움이 되길 바랍니다.
Q9. 마지막으로 곧 만나게 될 수강생 분들에게 전하고 싶은 한 마디 부탁드립니다 :)
‘정답’을 배우는 시간이 아니라, 각자만의 색깔로 음악을 표현하고, 그걸 서로에게 나눠주는 과정을 함께 만들어가고 싶어요. 실수도 괜찮고, 방향이 달라도 괜찮아요. 그 안에서 오히려 새로운 아이디어가 태어날 테니까요!
저와의 소통을 통해 여러분에게 작곡이 조금 더 가깝게 느껴지고, 음악으로 자신을 표현하는 즐거움을 경험해 보셨으면 좋겠어요.
재밌게 해봐요!!! (웃음)